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| 撰文/郭漢丞 |
2015/03/06發表，已被閱讀15,842次
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海邊，對蕭邦而言並不能算是美好的回憶，1839年，蕭邦為了養病，在喬治桑的安排下前往馬約卡島，沒想到潮濕陰冷的天氣，反而對蕭邦的身體更為不利。不過，蘭傑爾（Andrew Rangell）這張「蕭邦鋼琴曲集」，卻是在緊鄰海邊的「劉沙林音樂廳」演出錄製，在這樣場景當中，會不會在鋼琴的音符當中，聽見蕭邦的咳嗽聲？
「劉沙林音樂廳」可說是我見過演出場景最美的音樂廳，座落於美國Rockport的海邊，建築師把音樂廳最美的風景，留給了Rockport美麗的海岸，聽眾在台下往舞台看過去，除了舞台上的音樂家，還有Rockport的海岸，玻璃隔離了海浪拍岸的聲響，在寧靜的音樂廳當中，聽眾耳朵裡是蕭邦的美麗音符，眼裡卻是寧靜的海浪拍岸，這時，音樂廳的建築是凝固的音符，海浪又是寧靜的流動，伴隨著蕭邦的鋼琴音符起伏不定，而傍晚開始的音樂會，還有大自然擔任最佳燈光師，從黃昏到夜晚，音樂廳的落地窗從明亮到昏黃，從炫麗到陰暗。我想，如果能夠在這裡聽一場音樂會，絕對是畢生難忘的經驗。
這是我第二次寫錄製於「劉沙林音樂廳」的唱片了，關於這個音樂廳的故事，讀者們可以讀讀「巴哈：賦格的藝術」，一樣是蘭傑爾的演出錄音。不過我猜想這張唱片又會是鋼琴老師與學生的夢靨，因為幾乎沒有瑕疵的演奏，在真實生活中幾乎不可能出現，但是在錄音的世界裡，「完美」可以靠「反覆」錄音來完成，顧爾德不就是如此，靠著錄音剪輯創造出一張又一張「完美」的錄音？
蘭傑爾也像顧爾德一樣嗎？是的，而且他錄音的年代已經進入全數位化，錄音剪輯更能巧奪天工，絲毫沒有瑕疵。為什麼蘭傑爾要這麼做？他不是「費雪獎」（Avery Fisher Career Grant）得主？難道不能現場錄音？
沒錯，蘭傑爾在紐約出道，曾經獲得演奏家公會的Malraux Award，1980年代活躍於全球音樂廳，還獲得至高榮譽的費雪獎，可是1991年因為手傷，不得不放棄現場演出，轉往唱片錄音。或許，您會覺得這樣經過後製的錄音，少了一點現場的活生感，但是對鋼琴家而言，這卻是雕琢完美的手段。
一張「蕭邦鋼琴曲集」，對於蕭邦愛好者而言，似乎是諸多蕭邦鋼琴曲唱片「又多了一張」，但是蘭傑爾在這九首曲子的選擇，顯然有自己的看法，在他親自撰寫的唱片解說當中，標題寫著「偉大的設計」（Designs of Grandeur），演奏家試圖從九首曲子勾勒蕭邦的作曲企圖，顯然，這不是「又一張蕭邦」，而是有意識的蕭邦精選。
| | 我經常覺得，在數位串流的時代當中，實體唱片的意義就在那精緻的唱片說明，而史坦威唱片讓演奏家暢所欲言，在CD的音符之外，用文字說明演奏家對音樂的想法，或者說，當演奏家與作曲家所留下的音符「對話交流」了數十年之後，演奏者如何「看透」作曲家的心靈，從這些文字敘述中凝聚了精華。當然，這些文字不能取代音符，就像我寫的唱片評論一樣，只是吸引讀者們來聽這些音樂，而演奏者的文字，則能幫助我們更接近演奏者與作曲家之間的私密對話。
蘭傑爾選了哪些曲子？第一首從幻想波蘭舞曲開始，1846年的作品，距離蕭邦過世的1849年只有三年，而實際上蕭邦的身體在最後兩年已經無法支撐工作，作曲在1847年就停止了。1846年，也是蕭邦與喬治桑分手的那一年，蕭邦自己形容是「苦惱的寫作」（tourments ecrits），用這首曲子開場，蘭傑爾捕捉的是蕭邦突破傳統作曲框架，產生獨一無二的蕭邦式浪漫情懷。
接下來蘭傑爾選了夜曲、練習曲、前奏曲、敘事曲，這些都是蕭邦手中發揚光大的格式，不過在整張唱片當中，最讓我著迷的是「新練習曲」（Nouvelle Etude No.1 in F minor），這是1839年的作品，那時候蕭邦正在馬約卡島上，與寒冷潮濕的氣候搏鬥著。蘭傑爾把這段音樂生動地描述著，在他的文字裡寫著「三拍的旋律與反覆的四拍同時進行著......奇特但意外的和諧暗示著悲劇，但卻不只是暗示。」而在新練習曲之後，緊接著是「敘事曲」（Ballade No.1 in G minor, Op.23），蘭傑爾用這樣的安排，幫蕭邦的音符「講話」，就在Rockport海邊的「劉沙林音樂廳」，而背景是拍岸的浪花與變化的陽光......
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