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| 撰文/郭漢丞 |
2008/12/17發表，已被閱讀21,323次
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對於「發燒片」的定義，其實每個人或多或少都有自己的想法，但是對於德國Tacet公司而言，追求好錄音卻是公司創立的精神所在。由錄音師Andreas Spreer一手創辦的Tacet，誕生於數位科技盛行的1989年，無論在錄音技術與觀念上，他們都順勢而為，想以最優秀的錄音成果展現音樂家的企圖。不僅兩聲道的錄音成果卓著，現在更趕在潮流之先，建立了Tacet對於多聲道錄音的見解。
這十張SACD多聲道專輯，雖然大多是從原本兩聲道混音轉製，但是Tacet對於多聲道的錄音觀念：「Tacet Real Surround Sound」，已經樹立的「一家之言」，值得讓我們深入研究。
從兩聲道進入多聲道
讓我們花一點篇幅回顧錄音歷史，以溫故知新。唱片錄音技術如果從愛迪生於1878年發明留聲機開始算起，至今大約百餘年歷史，在此一時間進程當中，有許多的重要里程碑，不過真正錄音技術的突飛猛進，要到第二次世界大戰之後才真正開始。那時候從單聲道進步到兩聲道，透過兩支喇叭的相對位置，再生出如幻似真的虛擬音場與音像，讓我們首度體驗到High Fidelity的意義。
時至今日，我們擁有的音樂資產，可能是有史以來最為豐富的時期，從過往的單聲道與立體聲LP黑膠唱片，到兩聲道CD、SACD，以及強調多聲道的SACD與DVD Video、DVD Audio，眾多錄音工程師的努力，讓High Fidelity的定義不斷翻新。
 | | Andreas Spreer對於Tacet的錄音製作仍經常事必躬親。 |
從單聲道邁向兩聲道時，中間經歷過所謂的「乒乓時期」，在單聲道時代，因為只有一支喇叭，因此聲音缺乏立體感，如果是單純的器樂演奏，那問題不大，但在編制龐大的交響樂上面，就無法讓人聽到樂團成員的相對位置。等到邁入立體聲時代，由於兩聲道的音響可以營造出虛擬的音像，也產生了音場與定位的相對聆聽印象，因此如何表現出「正確」的相對位置，就成了錄音師的爭論焦點。
有些人希望藉由兩聲道的虛擬音場，讓聲音可以左右清楚分離，把左右聲道的音樂分離錄製，可以嚴格的切分出清晰的相對位置。但也有人提出現場聆聽時音樂並不是生硬刻板地區分左右，小如爵士樂團三到六人的編制，爵士鼓通常擺在中間，而鋼琴的位置也未必放在最左邊或最右邊，為了讓錄音精準地呈現出現場的氣氛，左右聲道不應該嚴格分離，不過這項爭辯到後來因為多麥克風錄音的技術廣泛使用而逐漸落幕。
進入多聲道的錄音時代，以電影的環繞聲道效果而言，大致上爭辯較少，因為電影所要表現的聲音多半必須配合劇情，不一定都是音樂，包括了直昇機由遠而近的距離感，槍彈齊飛時呼嘯而過的臨場感，那些都可以透過DSP運算，再藉由多聲道音響系統再生出驚人的效果。
| | 多聲道的概念歧異
但是回到一般的音樂的錄音上面，多聲道的錄音方式在業界一直有分歧的思考邏輯。譬如Channel Classics就不支持從四面八方傳來的多聲道效果，雖然Channel Classics的老闆Jard Sacks認為一般人在現場聽到的聲音，包括了樂團的直接音與周圍的反射音兩者的混合，但是在多聲道錄音時，他們強調從前方過來的聲音，所以在他們的多聲道錄音當中，前方三個聲道所佔的份量最重，而環繞聲道負責的僅是空間殘響與反射音的營造。
回到故事的主角：「Tacet Real Surround Sound」上面，Andreas不認為環繞聲道的功能只限制在重現空間殘響，而是要創造出完整的音樂包圍感。所謂音樂的包圍感不難理解，如果您在一個狹小的練琴房聆聽鋼琴演奏，您不會刻意去聽鋼琴的位置，因為龐大的音樂聲響已經充滿了整個房間，您會感覺到音樂是包圍著整個人，這就是音樂的包圍感。從Channel Classics與Tacet對於多聲道音樂的解讀，您應該已經看出多聲道錄音上面在現階段的爭執：究竟環繞聲道應該扮演積極還是消極的角色？以Tacet而言，既然已經走向環繞聲道，當然要創造出兩聲道所無法達成的音樂包圍感。
自然乎？傳真乎？
以「Tacet Real Surround Sound」的錄音要旨，不過Andreas這位從錄音師轉行當唱片公司的老闆，骨子裡還是流著專業錄音工程人員的血液，對於兩聲道與多聲道的分際，倒是區分得很清楚。Andreas在接受我們的訪問時，很清楚的說：「如果想要感受『親臨音樂會現場』的錄音質感，就必須是CD或黑膠唱片才辦得到，而如果是實境環繞聲音，我們則喜歡Tacet實境環繞音響，你可以感受到整個管弦樂團就在你身邊。」
 | | | 在Tacet的錄音當中，除了音樂之外，麥克風也是主角。 |
Andreas一席話，點出了兩聲道與多聲道錄音的根本差異。從古典音樂早期的發展，其實吟遊詩人並不是正襟危坐在音樂廳裡傳唱歌曲，而是在鄉間、在弄堂、在隨處席地而坐的各種場所裡娛樂人群。直到王公貴族們開始邀請樂師在宮廷演奏，音樂欣賞的形式演變成樂師站在舞台上演出，然後跟著幾百年下來，音樂似乎都是在舞台上演出，而聲音自然會從前面過來。即使到了今日，我們還是習慣於演奏者在前方的音樂表演形式。所以Andreas認為，兩聲道還是比較合乎自然的現場音樂再現。
但是畢竟聆聽經驗不是一成不變的形式，我們或許有機會享受在交響樂團中間聆聽音樂，那時候每一個聲部應該不是左右分離的感覺，而是從四面八方湧向耳朵，讓您體會到音樂的強烈包圍感。這種聆聽方式或許更接近高傳真，因為您不再是安靜坐在舞台下的聽眾，而更像是交響樂團的一員，聆賞著每一個聲部的樂音，飄盪在360度的音樂空間當中。
 | | 為了讓聆聽者從錄音體會千萬名琴的聲音之美，Tacet不惜成本找來七把世界名琴，一次讓大家聽個過癮。 |
讓我們簡單的把Tacet在兩聲道與多聲道的錄音旨趣差別講清楚，Andreas對於再生現場音樂，還是樂於以兩聲道的方式，讓大家回味現場的感受，但Tacet Real Surround Sound的目標，則是希望讓您就像是坐在音樂家的旁邊，環顧四周，各種樂器就如真似幻地漂浮在您的周圍。
| | 五種料理手法
「Tacet Real Surround Sound」講到這裡，聽起來大致上應該有些概念，不過Tacet料理錄音的手法可沒這麼簡單，以巴哈「六首布蘭登堡協奏曲」（TACET S101）為例，Andreas就以五種方式處理六首協奏曲。
在第一號布蘭登堡協奏曲當中，Tacet採用了保守的方式，樂團依然在聆聽者的正前方，而環繞聲道處理的是空間殘響，這樣的處理手法似乎不是標準的「Tacet Real Surround Sound」的方式，不過接下來的四種料理方式，可就是道地的Tacet方法。
第二號的錄音就讓我們體會到所謂「音樂包圍感」的意思。以Andreas的講法，就像是所有的演奏者圍繞著聆聽者。混音時小提琴與長笛分置前方左右兩側，黑管與銅管樂器放在後方兩側，而整個樂團就像是將人包圍在中央，是典型的Tacet手法。
到了第三號時Andreas又換了一種手法，把小提琴、中提琴與大提琴放在音場的左、中、右側，後方的稍空，但一樣有著高度的「聲音包圍感」。第四與第五號端上第四種料理，獨奏部分放在正前方，而樂團則跑到後面去了。在第四號裡面擔任獨奏聲部的包括小提琴與兩支長笛，樂團則是以數字低音構成的底部撐起協奏曲的架構，前後鮮明的定位，讓多聲道的聆聽充滿新鮮感。第五號的獨奏部分包括小提琴、長笛與大鍵琴，樂團負責的依然是弦樂部與數字低音，結構上類似，只是主奏樂器變換，難怪Andreas用同樣手法來處理。
第六號則讓獨奏位居前後，其他樂器居於兩側，這樣的手法讓您可以面對前後左右聆聽時，都有不一樣的感受。如果坐在可以旋轉的椅子上，360度繞一圈，每一個方向的音樂表現都有不同的面貌。定位感比起第二號的方式稍微不強烈，但同樣具備高度的聆聽樂趣。
Tacet製作好錄音的過程不止於此，還包括巧妙的擺位和因時因地制宜的錄音器材選用，尤其是麥克風，幾乎每一張專輯都各有巧妙。至於錄音器材的部分，類比/數位轉換器（A/D Converter）大部分使用dCS 900B，偶而出現Sony PCM 2000。其他沒有載明的器材則是由Andreas自己設計，在錄音室當中，這些由錄音師自己操刀設計的器材，通常都是不傳之秘。
Tacet的錄音還有一項重點，就是盡量減少人為調整的干涉。在錄音、混音與母帶後製作（Mastering）的過程中，錄音師有很多專業工具可以協助他們對音質進行「修整」，除了錄音原始素材已經產生過荷失真之外，關於聲音的飽滿、圓潤、細節、對比，都可以透過專業器材來微調，但是Tacet則認為這些人為的「操控」應該盡量降低，錄音師最重要的責任，必須在錄音之前充分瞭解所要錄製的客體，包括樂曲與演奏者，再依照每一個錄音場合妥善架設麥克風。
所以在 Tacet的錄音謹守兩大原則：第一、錄製的音樂以自然發聲樂器為主，並以呈現樂器實體發聲質感為錄音要旨；第二、以麥克風架設技巧取代後製的器材調整。
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